Traditionele Indiase kunst is getuige van een eigentijdse make-over. En de kunstmarkt is er dol op


Tribale en traditionele kunstenaars verkennen nieuwe manieren van verhalen vertellen, experimenteren met kleur, technieken en hedendaagse thema’s, om contact te maken met een jonger, mainstream publiek

Tribale en traditionele kunstenaars verkennen nieuwe manieren van verhalen vertellen, experimenteren met kleur, technieken en hedendaagse thema’s, om contact te maken met een jonger, mainstream publiek

De ongewoon zwoele september en een drukke geïmproviseerde kraam houden Rupsona niet tegen. Een volkszanger-kunstenaar van de pattachitra-traditie, uit het Pingla-district, West-Bengalen, vertelt ze haar rollen door middel van liederen, gewapend met een krachtige stem. Niet afgeschrikt door bezoekers die haar kunst op camera proberen te vangen, wijst ze naar haar canvas en bezingt ze de speelse liefde die Radha en Krishna delen. De laatste tijd vertellen haar doeken ook een aantal maatschappelijk relevante verhalen: van vrouwelijke zuigelingen, de tsunami van 2004 en zelfs het leven van Moeder Teresa.

Bij een andere kraam in het onlangs gesloten Artisans Collective van Craft Council in Chennai, domineert een pichwai-koe versierd met ceremoniële sieraden een gespannen canvas, tegen de achtergrond van een onverwacht trendy monochroom raster. De Warli-kunstenaar aan de overkant houdt doeken voor waar traditioneel partij dans en geometrische figuren zijn nu vervangen door de Tree of Life, geschilderd in acryl. In de buurt tonen Bhil-kunstenaars het Hindi-alfabet getekend in hun traditionele stijl om kinderen kennis te laten maken met de tribale kunstvorm.

Een warli-schilderij met de levensboom

Een warli-schilderij met de levensboom | Fotocredits: SPECIALE ARRANGEMENT

Traditionele Indiase kunstvormen, een schatkamer die geworteld is in de diepste loopgraven van de cultuur, passen zich zo aan de veranderende gevoeligheden van binnenlandse en internationale kunstkopers aan: via hedendaagse thema’s, sociale berichten en experimentele media. De redenen zijn legio: een groter bereik en zichtbaarheid, veranderende eisen van de wisselende klantenkring en de persoonlijke wens van de artiesten om zich te ontwikkelen en als merk te groeien. “Dit alles, zonder afbreuk te doen aan het ethos van de kunst”, herinnert Mala Dhawan aan A Hundred Hands, een in Bengaluru gevestigde organisatie die de kloof overbrugt tussen klanten en ambachtslieden.

Terwijl personages uit de hindoeïstische mythologie en de natuur primaire onderwerpen blijven van eeuwenoude traditionele en tribale kunsten , bij bewustzijn innovatie door derde, vierde en vijfde generatie kunstenaars introduceert nieuwe manieren van verhalen vertellen.

Nu, pichwai-koeien of kamdhenus – vertrouwde metgezellen van Radha en Shrinathji, meestal een stille getuige van al zijn leelas – kunnen ook hoofdrolspelers zijn. Naveen Soni, een pichwai-kunstenaar van de derde generatie uit Nathdhwara, Rajasthan, toont de koe als een allesomvattend personage: een scène ontvouwt zich in zijn sierlijke lichaam, terwijl Krishna en Radha weer verschijnen. Het is tot op zekere hoogte abstract en past gemakkelijk in een huis met een eigentijdse inrichting.

Pichwai-kunstenaar Naveen Soni met zijn 'optische illusie'-werk

Pichwai-kunstenaar Naveen Soni met zijn ‘optische illusie’-werk | Fotocredit: RAVINDRAN R

“We hebben een aantal moderne onderwerpen samengevoegd in deze pichwais, terwijl we ons houden aan de traditionele tekenstijl”, zegt Naveen. Moderniseren betekent volgens Naveen ook het samengaan van elementen uit verschillende scholen van dezelfde traditionele kunstvorm die ontstond in de 17e eeuw, rond het centrale karakter van Shrinathji. Hij wijst naar een canvas en legt uit: “Hier zie je bomen van verschillende scholen Indiase miniatuurschilderkunst zoals de Kishangarh-school en de Pahadi-school in één enkel schilderij.” Traditioneel is een pichwai die is geïnspireerd op flora-fauna-thema’s ongehoord, maar Naveen heeft geïnnoveerd met vogels, bomen en sommige dieren – behalve kamdhenu – om de veranderende eisen van zijn klanten bij te houden.

Het is pas vier maanden geleden dat hij zijn ‘optische illusiewerken’ op de markt bracht. “ In tentoonstellingen worden de meeste optische illusiewerken op de eerste dag zelf verkocht!” En de meeste worden gekocht voor kantoorgebouwen en werkruimtes, meer dan woningen. “Het is tijdrovend en is een andere vaardigheid.”

“Hoe graag we ook willen moderniseren, het is belangrijk om de essentie van de kunstvormen intact te houden”, zegt Gond-kunstenaar Bhajju Shyam, uit Patangarh, Madhya Pradesh, de thuisbasis van de inheemse Gond Pradhan-stam. Er is geen grotere autoriteit die een mening kan geven over de evolutie van traditionele kunst dan Bhajju: de afgelopen tien jaar heeft hij de kunst van Gond, die sterk afhankelijk is van dierlijke vormen, op fantasierijke manieren opnieuw vormgegeven, van muurschilderingen in Delhi en Singapore tot ingebonden kinderboeken, zoals Het Londense Jungle Boek door Tara Books waar The Big Ben een Gond-duivin is. Door de natuur geleide symbolen, thema’s en legendes blijven hetzelfde in zijn werken.

Rupsona, een pattachitra-kunstenaar, met haar rollen

Rupsona, een pattachitra-kunstenaar, met haar rollen | Fotocredit: RAVINDRAN R

Het enige doel van de Padma Shri-prijswinnaar is om de kunstvorm populair te maken, zodat deze de reguliere galerijen binnenkomt. Sprekend vanuit Delhi, waar hij samen met de hedendaagse kunstenaar Manjunath Kamath exposeert, zegt Bhajju: “Het zijn dit soort samenwerkingen die ons ertoe aanzetten om op een eigentijdse manier te denken.” In Little India in Singapore resulteerde Bhajju’s samenwerking met de Singaporese hedendaagse kunstenaar Sam Lo in een gevel (Broadway Hotel) die de natuur viert.

Het vertalen van een in traditie gewortelde vorm op muren vergde veel leren, zegt Bhajju: het duurde even voordat hij gewend was aan het idee van stencils en spuitverf. Maar hij ziet deze verandering als een toegangspoort tot het reguliere publiek. “Het fungeert als een vorm van behoud van de goden die we aanbidden, en onze Adivasi-verhalen en -praktijken”, zegt Bhajju.

Gond-kunstenaar Bhajju Shyam experimenteert met een stencil

Gond-kunstenaar Bhajju Shyam experimenteert met een stencil | Fotocredit: speciaal arrangement

De markt en zijn vele stemmingen

Aanpassen aan de huidige markt ging niet van de ene op de andere dag. “Bijvoorbeeld,” zegt Mala, “dit jaar hebben we vijf symbolen genomen die door de natuur werden geleid, en een moodboard gemaakt dat meer naar patronen en kleuren kijkt dan naar de motieven. De meeste van onze traditionele kunstvormen hebben geen ontwerpachtergrond. Zo wordt een ambachtsman gedwongen om anders te denken.” Consumenteninzichten spelen een cruciale rol om te begrijpen wat je uit de kunstvorm kunt halen. “Mensen komen de bazaars binnen met de vraag: ‘wat is er nieuw?’” De nieuwe klanten willen niet dat voor elk werk dezelfde olifant wordt gekarnd. Ze zoeken ook exclusiviteit en zien daar waarde in”, zegt Mala. “Het is ook mentaal stimulerend voor de artiesten.”

Pichwai-motieven en elementen tegen een monochroom, 'optische illusie'-raster

Pichwai-motieven en elementen tegen een monochroom raster van ‘optische illusie’ | Fotocredit: speciaal arrangement

De kunstenaar van vandaag is overgestapt van het opnieuw creëren naar het manifesteren van persoonlijke gedachten en idiomen, zegt curator Tulika Kedia, wiens in Delhi gevestigde Must Art Gallery nauw heeft samengewerkt met traditionele kunsten zoals Madhubani, warli, Kalighat, Phad, Gond, Kerala-muurschilderingen en pattachitra , de afgelopen twee decennia. “Nu zien we het sociale discours, de politieke flux, scènes uit het hedendaagse leven, fantasie, tegenspoed, allemaal afgebeeld in de kunst”, zegt Tulika.

Bhajju dateert deze spil, zij het traag, tot het laatste decennium. Hij zegt: “Mensen willen onze kunst in hun huizen en privécollecties, wat bemoedigend is.” En ze zijn bereid te besteden. “Terwijl ze vóór de pandemie op een tentoonstelling in Delhi waren”, zegt Naveen, “zei veel mensen dat ze geen werken met ‘koeien’ wilden kopen. Velen waren ook niet geïnteresseerd in religieuze taferelen. Toen realiseerden we ons dat als we in de markt moeten blijven, we nieuwe onderwerpen moeten brengen die overal kunnen worden neergezet.”

Meer recent is er ook een hartverwarmende beweging geweest onder jonge kunstkenners van in de twintig en dertig, die een aanzienlijk deel van hun klantenkring uitmaken. Tulika zegt: “Er is een bonafide begrip en respect voor volkskunst. Ze bezoeken galerieën, maken erfgoedwandelingen, nemen deel aan workshops en investeren zelfs.”

Miniatuurkunst, bekend om zijn nauwgezette detaillering

Miniatuurkunst, bekend om zijn nauwgezette detaillering | Fotocredits: SPECIALE ARRANGEMENT

De jonge kopers zijn, net als de IT-ondernemers, zeker geïnteresseerd in traditionele kunst, zegt Mala. “We hebben Gond-artiesten gezien die 10 jaar geleden kunst verkochten voor bijvoorbeeld ₹ 5000, nu voor ongeveer ₹ 1 tot 1,5 lakhs. Dat komt alleen met waardering”, vult Mala aan.

Dat gezegd hebbende, heeft de pandemie de kunstmarkt en ambachtslieden gedwongen zichzelf concurrerend te prijzen. “Mensen zijn wat bewuster geworden. Als iemand ₹ 20.000 of ₹ 30.000 uitgeeft voor een kunstwerk, zullen ze niet twee keer nadenken over het verhogen van 35.000 of 50.000. Maar als ik op zoek ben naar een kunstwerk voor 600 tot 800, zal ik waarschijnlijk ook ₹ 1500 niet overschrijden. Voor dat laatste is een grote markt”, zegt Mala. Innovatieve en gemoderniseerde kunst valt ook in de laatste categorie, aangezien hun klantenkring jonger is.

Terwijl ze naar de mainstream draaien, zijn jongere traditionele kunstenaars hoopvol over deze verschuiving. Het is tenslotte wat de kunst door de tijd heen relevant houdt. Maar ze zijn zich ook bewust van de heiligheid van de kunstvorm en willen geen compromissen sluiten als het gaat om vaardigheid en inspanning. Navin besluit: “Het is belangrijk om herkenbaar te zijn. Daar draait het uiteindelijk allemaal om, nietwaar?”

Leave a Reply

Your email address will not be published. Required fields are marked *